Desde que Álex Pina y Esther Martínez Lobato se hicieron nombres de referencia en realidades alteradas (La casa de papel, Sky Rojo), cada nuevo proyecto suyo despierta expectación. Con El refugio atómico, de Netflix, esta expectativa tiene algo de morbo: un búnker de lujo, multimillonarios encerrados y secretos listos para estallar.

La vi sin grandes expectativas porque la temática me parecía muy similar a La Casa de papel, de Vancouver Media, por lo que esperaba que se repitiesen similares clichés, pero no esperaba tanto choque emocional, encontrándome con una serie que tira de metáforas, tensión psicológica y personajes que no son de cartón. Y la verdad es que lo he disfrutado más de lo que creía posible

2. ¿De qué va? (Sin spoilers, prometido)

Cuando el mundo amenaza con colapsar y la Tercera Guerra Mundial parece a punto de estallar, un grupo de élite recurre al Kimera Underground Park, un refugio subterráneo de lujo. Allí, entre jardines zen, bares, pantallas que simulan paisajes y estrictas rutinas, los privilegios se convierten en muros internos.

No es una serie de supervivencia al uso, es una disección de tensiones emocionales: la amenaza externa es solo la excusa; el verdadero conflicto vive en el interior del búnker. Porque cuando el exterior deja de importar, ¿qué queda? Las mentiras, los miedos, el egoísmo, el rencor, el poder… y las grietas de la condición humana.

3. ¿Se parece a algo que ya he visto? ¿Y qué aporta de original?

Al principio, sentí ecos de Fallout, sobre todo por la estética y los monos azules y naranjas, pero también de Buscando a Eva, ese juego de realidades difusas en refugios. Pero luego, El refugio atómico, fue mucho más allá, explotando no solo la estética sino el thriller y la sobre carga emocional de unos personajes traumatizados y llenos de grises

Me fascina la gestión de los tempos narrativos: sin prisas artificiales ni relleno, sin momentos muertos. Todo tiene un por qué y todo es necesario para desarrollar en ocho capítulos tanto a sus protagonistas como a sus antagonistas. Te mantienen con el corazón en alerta. En serio, la engullí: me vi los ocho capítulos en menos de 24 horas.

4. Personajes & actores: caras que duelen, que mienten, que seducen

Este es uno de los apartados donde la serie gana mucho. Te dejo el reparto principal con espacio para que añadas tu valoración personal:

• Guillermo Falcón (Joaquín Furriel): Te deja con la coletilla de «qué cabrón» en muchas ocasiones, no solo por el estereotipo de personaje y en las decisiones que toma, sino en la manera en la que transmite esas mismas emociones a cámara.

• Frida (Natalia Verbeke): Sobriedad que te agarra y no te suelta en ningún momento. Evolucionando desde la obre mosquita hasta la ama que merece, con varios giros en los que la malicia brilla en sus ojos.

• Rafael “Rafa” Varela  (Carlos Santos): Borda el papel de loser, en cada gesto, cada frase, cada mirada, y cuando devuelve la hostia, dan ganas de aplaudirle.

• Victoria Varela (Montse Guallar): Qué señora, qué podería, qué manera de pasarse a todos por el forro… Mis dieces.

• Max Varela (Pau Simón): Aunque al principio me costaba creerme a este personaje, conforme evoluciona y te van mostrando por qué cambia de actitud (dentro del contraste de que es un crío con respecto al resto de los personajes), se le va cogiendo el royo, aunque no es mi preferido.

• Asia Falcón  (Alicia Falcón): Este personaje sí me ha costado bastante, aunque me gusta su interpretación, pero es todo demasiado «es que es una adolescente traumatizada». Veremos cómo evoluciona en la siguiente temporada.

• Mimi (Agustina Bisio): Tiene su punto de mosquita muerta, aunque chica la putada que le hacen a la pobre…

• Tirso (Omar Banana): Pobre muchacho, que sí, que lo ponen a vigilarla… pero el pobre se lo come todo de gratis, con el buen corazón que le pone a sus consejos…

• Oswaldo (Enrique Arce) – (Arturito en La Casa de Papel): Me ha mantenido en tensión constante, con la idea de que iba a liarla en cada escena en la que salía. Y cuando crees que ya no puede ir a más, nos meten un plot twist de los que te dejan con la boca abierta y la mirada desconcertada hacia tu compañero de sofá.

• Minerva (Miren Ibarguren): A pesar de no llegar a empatizar ni con ella ni con el hermano, creo que la interpretación es muy buena, y que deja claras sus taritas mentales.

Así como dato, aunque nadie me parece especialmente guapo o guapa, lo cual también le da su punto al no buscar la belleza física (cosa que solemos ver en las series de Vancouver Media), sí es cierto que cada uno tiene su propio atractivo, y su brillo en según qué escenas. Me llamó mucho la atención que las escenas de sexo no estén plagadas de cuerpos perfectos; sino de adultos que disfrutan del sexo, dándole un toque animal que no persigue el postureo.

Aunque no he podido empatizar con algunos personajes (como con Asia o con Minerva), creo que se ven claras las motivaciones de cada uno, y que son personajes muy redondos y que, incluso los más secundarios, gracias a la interpretación de los actores, tienen esa redondez que hacen que sean atractivos.

5. Fotografía & estilo visual: colores que hablan

Uno de los lujos de esta serie es su fotografía. La separación cromática entre exterior e interior no es estética vacía, es narrativa, y que también es una seña de identidad de Álex Pino y Esther  Martínez. Esa dicotomía visual te acompaña como banda sonora silenciosa. Cada plano te habla, te presiona o te libera, y eso me gusta muchísimo.

6. Temas profundos que laten debajo de la trama

Una de las cosas que más se me quedó dentro es la crítica a la inteligencia artificial. En una de las escenas, uno de los personajes hace una reflexión acerca de cómo se ha sentido compartiendo tiempo con una IA, y que ha llegado a la conclusión de que se casó con una IA porque se sentía igual que con su esposa.

Es una crítica que solemos ver en redes, gente que le cuenta sus dramas a la IA y que esta le responde con más empatía (condescendencia) que algunos seres humanos. Así como la de otros que descubren que su pareja lleva años dándole un trato similar, haciéndonos recapacitar sobre: ¿cuánto de nuestras relaciones son espejos que solo devuelven lo que queremos oír? ¿Hasta que punto eso realza la aparición de las personas estrella fugaz? Esas que llegan a nuestras vidas, cumplen su función y después desaparecen, y de la necesidad de dejarlas ir.

Además, está todo lo demás: ego, poder, clases sociales, cómo la intimidad se quiebra cuando no hay espacio (literalmente) para huir.

7. Referencias y clichés

Además, de lo que ya comentábamos al principio de la fuerte referencia a Fallout, y la predisposición al tipo de giros a los que nos tienen acostumbrados los de Vancouver Media (sin querer entrar en spoilers), encontramos un Enemies to lovers que nos golpea en la cara desde el primer encuentro, donde la chica le grita que le odia mientras vemos su cara de estar mojando las bragas.

Aunque no soy muy fan de este tipo de clichés, he de reconocer que me ha gustado la gestión de tempos y la evolución que ha tenido la relación entre los personajes, profundizando en su pasado y en los pequeños gestos. Me gustó mucho la escena de fractura emocional del chico y la respuesta tan humana y orgánica de ella. Y, aunque he acabado poniendo los ojos en blanco un par de veces, me ha gustado el feeling entre los personajes y su lenguaje corporal, que le han dado la credibilidad justa para que el cierre no me resultase forzado.

Y, por supuesto, no podemos ignorar la presencia del mito de la caverna, que le aporta una perspectiva que nos hace plantearnos hasta qué punto la desinformación nos hace tomar unas decisiones frente a otras.

8. ¿Segunda temporada? Yo digo sí (y con ganas)

¿Segunda temporada? Por favor y gracias. Estoy deseando ver cómo resuelven la liada, y si Netflix la cancela, al menos me quedo con que ha sido una buena historia, contada de tal manera que me han entrado ganas de montar un oneshot sobre ella para Rolea.

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9. Ficha técnica

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Sarcástica, inteligente, y perfecta en todo lo que hace, Jenna Ortega nos muestra a una Miércoles que disfruta resolviendo un macabro caso, convirtiéndose casi en una Enola Holmes encerrada en la Academia Nevermore, cuya directora es interpretada por Gwendoline.

Aunque tanto la fotografía como el detalle son de 10, me ha resultado un tanto predecible, algo arraigado en el género, aunque me ha gustado mucho cómo han jugado con el engaño para hacer creer que iba a haber un plot twist de última hora.

También me ha encantado la banda sonora, y la elección de canciones que tiene, de hecho, ya tengo añadida la lista de Spotify para cuando me ponga a escribir.

Los 4 detalles de Miércoles que me han enamorado

• 1⃣ La escena del «Paint It, Black», interpretado por Apocalyptica,
• 2⃣ que todo en la academia Nevermore hiciese mención a Poe,
• 3⃣ el precioso vestido que lleva al baile, coronado con ese momento #Carrie que no podía terminar de otra manera
• 4⃣ y por supuesto, la aparición de @riccigrams, con un personaje a la altura de las circunstancias.

Una temporada de 5 estrellas

Y por todo esto, le doy
/ 5

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Aunque, han pasado ocho años desde que lo viésemos interpretar a Barney Stinson, lo único que tiene en común con Michael, a quien interpreta en esa ocasión, es que es un soltero cuarentón que intenta ligar en una Nueva York demasiado moderna para él. Eso sí, si echabas de menos verle calzar el traje después de Una serie de catastróficas desdichas o Matrix 4, en Desparejado podrás quitarte la espinita. Y es que este asesor inmobiliario vuelve a llevarlo como uniforme.

Desparejado, lo opuesto a Cómo conocí a vuestra madre

Si te preocupa que Neil Patrick se vuelva a encasillar repitiendo el estereotipo de Barney Stinson, con Desparejado puedes tener la tranquilidad de que esto no ocurrirá. Y es que en esta comedia romántica interpreta a Michael, quien vive feliz con su compañero de vida, Colin, convencido de que tienen una vida perfecta juntos. El drama comienza cuando, justo antes de entrar en la fiesta de 50 cumpleaños que le ha organizado a su novio, éste le dice que se muda. Dando pie a una serie de situaciones que le hacen ver la realidad: es un cuarentón, gay y soltero en Nueva York, lo que le lleva a descubrir que no todo es tan idílico como creía.

Personajes completos

Michael se encuentra rodeado de buenos amigos que muestran a lo largo de la historia sus diferentes realidades, la de Stanley (Brooks Ashmanskas) el marchante de arte que lleva años sin encontrar el amor, y Billy (Emerson Brooks) el meteorólogo de televisión con múltiples ligues a los que les dobla la edad. También aparece la amiga y compañera del trabajo, Suzanne (Tisha Campbell), que es madre soltera con un hijo cuyo padre conoció en un viaje por Europa y al que no volvió a encontrar. Y una nueva amiga divorciada, Claire (Marcia Gay Harden) que le convertirá en su pañuelo de lágrimas.

Desparejado: 8/10

Aunque me ha gustado mucho la naturalidad con la que tratan las relaciones homosexuales (la mayoría de los personajes que aparecen son gays), me ha resultado bastante predecible, quizás por el excesivo uso de clichés románticos que tiene. Sin embargo, no se trata de una adaptación donde se reemplacen roles, donde el papel de la chica esté interpretada por un chico, como solemos encontrarnos en la mayoría de las historias donde las mujeres tienen un carácter fuerte, sino que se ha mantenido la masculinidad de los personajes, no cayendo en su feminización más allá de la obvia.

Me ha resultado una serie entretenida, ligera, dulce y divertida que se puede ver en una noche (de hecho, la puse en la cena y me la terminé antes de acostarme).

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Para quienes no visteis la primera temporada, o no sois muy de leer novela Chick lit (subgénero literario definido como un tipo de post-feminismo, que va más allá de presentar a la mujer como una víctima dependiente del criterio masculino para encontrar su propia valía, que pretende mostrar la extensa gama de experiencias que atraviesa la mujer actual, incluyendo el amor, el noviazgo y los problemas de género.).

Valeria (Diana Gómez), una escritora frustrada, cuenta la historia de su crisis personal y profesional, así como el fracaso de su matrimonio con Adrián (Ibrahim Al Shami) y el idílico inicio de su romance con Víctor (Maxi Iglesias, aunque en un principio iba a ser interpretado por Benjamín Alfonso (sinceramente, creo que las espectadoras salimos ganando con el cambio). Además de la relación de la protagonista con sus amigas Lola (Silma López), Carmen (Paula Malia) y Nerea (Teresa Riott).

La crisis de los 30

La temporada anterior de Valeria quedó más o menos atada con el cierre del romance y la propuesta de publicación de su novela. En esta segunda temporada hemos podido ver que no todo eran perdices, y que las consecuencias están ahí para perseguir las malas decisiones. Las “Amigas 4ever” afrontan su crisis de los 30 dándose prioridad a ellas mismas, y dejando a un lado a los hombres que no las dejan ser ellas mismas. Obligándose cada una a salir de su zona de confort para llegar hasta el autodescubrimiento.

Esta, además de mucho más sexo que la anterior (que hará mojar las bragas a más de una) y reivindicaciones feministas, cuenta con una banda sonora que acompaña a las escenas de conflicto, cargándolas de dramatismo y emoción. Lugares emblemáticos y dilemas millennials a la orden del día, como la precariedad laboral, los problemas de vivienda o la presión por la maternidad.

Tampoco faltan las escenas de humor que banalizan los “problemas del primer mundo”, aunque en ocasiones puedan resultar un tanto forzadas o surrealistas (¿pero qué es la vida sin escenas paródicas de una misma rompiendo la cuarta pared?). Incluso bromean haciendo alusión al El test de Bechdel mientras comen bollería erótica. Y, por supuesto, la amistad, el gran hilo conductor de esta historia, donde cada personaje representa las cualidades de alguna amiga tuya (y como diría la Vecina rubia, si no tienes una amiga así, es que la amiga eres tú).

Ambientaciones de 10

A lo largo de los capítulos, se puede apreciar un degradado de colores tanto en la fotografía como en los rasgos de la protagonista, yendo desde unos tonos apagados, y casi grises, a otros brillantes y exultantes. Valeria al principio viste colores apagados, y al cierre lleva vestido, zapatos y labial rojos). Este recorrido se puede apreciar a lo largo de los ocho capítulos de esta segunda temporada. También mantiene la inserción en pantalla de los mensajes que aparecen en los móviles, compartiendo con la audiencia textos que hace unos años sólo habríamos conocido mediante voces en off. Personalmente, me encantó el uso de la música como hilo conductor entre secuencia, encadenándola en los dispositivos de las protagonistas.

Valeria: de mujeres para mujeres

Inma Torrente (Señoras del (h)AMPA, Los misterios de Laura, El secreto de Puente Viejo, etc.) continúa al frente de la dirección, demostrando que un cine de y para mujeres no es sólo plausible, sino necesario, ya que, además genera una escenas más reales y cotidianas, acercando la pantalla al día a día de muchas mujeres, lejos de los personajes masculinos con tetas y a las damiselas en apuros que esperan a su príncipe azul para ser salvadas, a los que hace tiempo que aborrecemos.

Aunque Netflix aún no ha confirmado una tercera temporada para Valeria, sabemos que la saga cuenta con tres novelas más, por lo que confiamos en ver qué pasará con la historia de las protagonistas (y sus secundarios). Además, necesitamos saber quién encarnará a Bruno Aguilar. ¿Quién creéis que pondrá cara al nuevo escritor?

Y, si te ha gustado, te recomiendo…

Si te ha gustado esta serie, te recomiendo Siluetas en mi pared, donde su protagonista vive una situación similar, con amigas del alma y un romance de juventud que vuelve para arrasar su vida.

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Aprovechando la paz veraniega me he visto en una tarde la nueva temporada de SkyRojo, y sí, en una tarde, de sopetón, porque es lo que tienen las series de Netflix, que las ponen completas y como sean capítulos cortos, te las ves de una sentada.

SkyRojo, para quien no haya leído mi entrada anterior sobre la primera temporada, es una producción de Vancouver Media para Netflix , con Álex Pina y Esther Martínez como creadores, guionistas y productores ejecutivos, conocidos por La casa de papel, Vis a vis, etc.

Esta segunda temporada continúa la historia interruptus que nos dejaron en el último capítulo de la anterior. Llevándonos por el frenético desenlace de las protagonistas, Coral, Wendy y Gina, sumándose, además, los conflictos internos entre sus perseguidores. Y es que si os gusta el concepto de «siempre puede ir a peor», esta temporada os va a dejar con las bragas mojadas. Por supuesto, continúa con el drama, el sexo, las drogas y, al fin, llega la hora de la venganza. Todo con esos tintes fríos y cálidos que tanta belleza daban a los anteriores capítulos.

Reparto inmejorable

En cuanto al reparto, además de mantener a los supervivientes de la anterior, toma más protagonismo Fermín (José Manuel Poga). Quien nos muestra su lado más oscuro, recordándonos un poco al GEO sociópata de La Casa de Papel (donde interpretaba a César Gandía). Poga deja claro una vez más que es un profesional de la interpretación (porque los vais a odiar como si fuese un Lannister).

SkyRojo me sigue pareciendo una serie de 10 con un reparto formidable donde no destacan los blancos y los negros, sino las escalas de grises. Con unos personajes muy elaborados, con sus méritos y defectos, sus intereses y sus motivos para defender la vida que llevan.

Así que si aún no te has decidido a verla, no pierdas más tiempo y ponte el primer capítulo porque no podrás quitarla hasta el final. Eso sí, mejor que te sientas fuerte emocionalmente porque es bastante fuerte (quizás no sea como El Cuento de la Criada, pero tampoco creas que tiene nada que envidiarle en cuanto a drama).

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La entrada SkyRojo. Escapar de la trata de blancas sin consecuencias se publicó primero en Martha R. Belmont.

SkyRojo, que se estrenó el pasado 19 de marzo, está producida por Vancouver Media para Netflix, con Álex Pina (La casa de papel, Vis a vis, etc.) y Esther Martínez como creadores, guionistas y productores ejecutivos; lo que explica las similitudes en el formato con sus productos anteriores.

En esta primera temporada encontramos ritmos frenéticos, accidentes, decisiones que se van de madre y planes que salen lo peor posible, con toques de humor macabro e incluso romances prohibidos. Basta con leer el aviso de cabecera para saber lo que vamos a encontrar a los largo de estos 8 capítulos de entre 22 y 31 minutos: drogas, sexo, y mucha violencia…

Personalmente me ha gustado mucho la fotografía de SkyRojo, los tonos cálidos y pasteles de los exteriores en que nos hacen sentir el verano y el clima tropical canario, donde se desarrolla casi toda la serie. En contraposición, encontramos chillones colores neón de los interiores del club, haciendo un juego continuo entre luz y oscuridad, libertad y encierro.

Reparto de interpretaciones de 10

El reparto de SkyRojo también me parece muy acertado. No ya sólo por la interpretación de Verónica Sánchez cuando su personaje, Coral, se encuentra bajo los efectos de los estupefacientes. Sino también por la de Asier Etxeandia, interpretando a un Romeo carismático y sin escrúpulos, al que en un capítulo le deseas lo peor y al siguiente te da lástima. También encontramos a un Miguel Angel Silvestre que parece que le ha cogido el gusto a este tipo de “personajes malotes” pero de buen corazón. Así como el resto del reparto, que en sus momentos de protagonismo también te hacen empatizar con la desgracia de persona a la que interpretan.

Sin querer entrar en trama, en SkyRojo nos encontramos con una fuerte crítica hacia la trata de blancas, mostrando una dureza sin tapujos, donde los mismos protagonistas masculinos nos explican, a base de carisma y de razonamiento lógico, por qué consideran que les están haciendo un favor a las chicas que compran en países subdesarrollados ya que, gracias a esa explotación sexual, están proporcionando calidad de vida a sus familias, cómplices en muchas ocasiones, convirtiéndose en sus salvadores mientras se enriquecen a costa de sus cuerpos.

Personajes femeninos empoderados

En cuanto a los personajes femeninos que encontramos en SkyRojo, la historia la protagonizan Coral (Verónica Sánchez), Wendy (Lali Espósito) y Gina (Yany Prado), tres prostitutas del club de alterne «Las novias” que, tras una serie de decisiones poco acertadas, se ven obligadas a huir de allí.

Además de persecuciones; flashbacks perfectamente introducidos en la trama que nos explican cómo han llegado las chicas a esas situaciones; y momentos brillantes donde sobresale la amistad que se ha ido forjando entre ellas, nos encontramos con unos personajes que buscan empoderarse, haciéndose fuertes a pesar de las circunstancias, intentando luchar por salir del pozo en el que se encuentran, aunque no suelan salirles del todo bien los planes, lo que también transmite la impotencia de no lograr conseguir lo que se proponen por mucho que se esfuercen.

Primera temporada: ligera y rápida de ver

Esta primera temporada de SkyRojo, aunque se me ha hecho muy breve (apenas 3 horas de metraje), me han mantenido en constante tensión, ya que el final de cada capítulo incita a ver el siguiente, llegando incluso a empalmar planos entre unos y otros, dando la sensación de la pausa para anuncios. Es interesante este nuevo formato corto en el que nos muestran un contenido de película extensa de forma fragmentada, aunque el hecho de que la tengamos disponible al completo hace que quienes consumimos este tipo de formatos nos las bebamos de una sentada y no notemos apenas diferencia con ver una película de tres o cuatro horas.

SkyRojo me resulta una serie muy recomendable, aunque seguro que herirá sensibilidades y ofenderá a muchos sectores que se pueden sentir identificados con los problemas que se plasman. Y sobre todo, me ha parecido un fuerte apoyo a la campaña de hace unos años donde se culpabilizaba a los consumidores de prostitución en vez de a las mujeres que la ejercían; así como la visibilización de la campaña de #NOesNO, a la que incluso hacen referencia en una conversación entre Wendy y Gina.

Por cierto, ¿habéis encontrado el huevo de Pascua?

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La serie arranca con una apuesta arriesgada, presentándose como una sitcom americana de los años cincuenta. Teniendo en cuenta que Wanda (Elizabeth Olsen) cuando conoció a IronMan lo primero que hizo fue mostrarle su mayor temor (la destrucción del universo y la muerte de sus amigos), al ver este primer episodio, y sabiendo que Visión (Paul Bettany) murió en Avengers: Infinity War, lo más lógico es pensar que todo es una ilusión creada por la Bruja Escarlata, y más si conforme van pasando los capítulos, vemos escenas en las que, como a Wanda no le gusta lo que ocurre, manipula la cinta para que no tengan lugar o para no emitirlas en antena, dando un salto abrupto a la siguiente década, cambiando así el formato de la misma.

Con respecto a las sitcom, me resulta maravillosa la referencia a Padres forzosos y a Moderm Family, donde podemos identificar cómo sería Claire Dunphy si tuviese poderes místicos.

Giros sorprendentes de la Bruja Escarlata

A lo largo de la miniserie de la Bruja Escarlata vamos encontrando detalles que nos dejan desconcertadas: como el nacimiento de los hijos de Wanda, haciendo que nos preguntemos si lo son realmente o si son niños del pueblo a los que también ha manipulado la mente. La aparición de Evan Peters (Mercurio en X-Men).

El personaje de Agnes, la “vecina entrometida”, que en el penúltimo capítulo nos crea la duda de si realmente es quien dice ser o si están haciendo una referencia a Sabrina (o a cualquier otra serie moderna de brujas), y que, incluso cuando se resuelve la trama, seguimos esperando a ver si todo es cierto o si sólo se trata de otra de las subtramas, como la que se desarrolla en el exterior. La presentación de Mónica Rambeau (Teyonah Parris), la hija de la piloto María Rambeau que era amiga de Carol Danvers, como ¿futura Capitana Marvel?

Y muchas otras que han dado lugar a unas expectativas que después no se han cumplido, como que al final fuese a aparecer el Doctor Strange para salvar la situación, dando así paso al Multiverso. Sin embargo, en los últimos capítulos podemos ver que, al igual que Anakin Skywalker, la Bruja Escarlata lo hace todo por amor, mostrándonos a una mujer fuerte que se deja llevar por sus sentimientos, en vez del estereotipo que últimamente pretenden vendernos de mujer empoderada que oculta sus emociones y que no deja de ser un personaje masculino con apariencia femenina, como si ser emocional en vez de una máquina de matar fuese signo de debilidad.

Bruja Escarlata, una historia contada en femenino

Personalmente, creo que el hecho de que esta miniserie esté dirigida por Jac Shaeffer y que de los ocho guionistas la mitad sean mujeres, es lo que hace que el personaje de Maximoff sea tan redondo y lleno de claroscuros, logrando que resulte fácil empatizar tanto con la héroe como con la villana, porque entiendes sus motivos y en el fondo sabes que harías lo mismo en su situación.

Cualquiera podría decir que eso no tiene nada que ver porque el personaje ya existía, sin embargo, considero que han sabido tratarlo para que lo veamos como lo que realmente consideramos una mujer empoderada. Y ya no sólo el personaje que interpreta Olsen, sino también el resto de personajes femeninos que aparecen, como Agatha (Kathryn Hahn), Mónica, e incluso Darcy (Kat Dennings), que ya no se nos presenta como una becaria segundona, sino que toma relevancia en la resolución del conflicto.

En definitiva, me parece un acierto esta miniserie de Bruja Escarlata que cuenta con 9 capítulos, y creo que puede marcar un antes y un después en cómo se muestra a la mujer en la industria del entretenimiento, llegando a ser un ejemplo de empoderamiento para las niñas que están creciendo ante las pantallas.

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En esta tercera temporada encontramos unos personajes mucho más profundos, ahondando en sus sentimientos, que quedaron a flor de piel en la segunda temporada y ahora es el momento de ver las consecuencias de sus actos; pellizcando un poco más el corazoncito de los nostálgicos (perpetuando el amor de sus creadores por el mundo sobre el que trabajan), que encuentran referencias enternecedoras, añadiendo detalles y metraje de las películas; dejando clara la gama de grises que compone la historia, muy alejada del blanco o negro de las películas; conociendo en profundidad a Kreese, quien ya quedó etiquetado como el nuevo villano en la temporada anterior, adentrándonos en sus recuerdos para explicar los valores que enseña a sus alumnos.

Un villano entrañable

Esta temporada de Cobra Kai deja momentos muy cómicos, como los protagonizados por Kabka, que continúa haciendo una interpretación espectacular de perdedor e inadaptado a la actualidad; y momentos agrios, con alguna sorpresa previsible, y otras menos esperadas, pero que desde luego hacen disfrutar de esta nueva entrega. En cuanto a las peleas, mantienen los extensos planos continuos, como en la batalla final del instituto, que nos puede recordar a escenas como la de Dark Devil saliendo de la cárcel, aunque personalmente, las peleas me siguen resultando en su mayoría sobreactuadas, manteniendo la dinámica de las películas originales.

Seguimos encontrando la dualidad entre el bien y el mal, y esa ausencia de comunicación que facilitaría tanto las cosas pero que le quitaría emoción a los conflictos de la trama, y que en algún momento nos hará soltar un “¡por fin!”.

Los papeles femeninos toman más importancia en estos nuevos capítulos, con diálogos coherentes a los personajes, y actitudes un poco estereotipadas, como los ataques de ansiedad por sentirse indefensa, y a los que no se les da tanto dramatismo cuando los sufren los chicos. Aunque sin duda me quedo con la frase “con las chicas es diferente, tras una pelea no se valora si somos fuertes o débiles, sólo se nos acusa de estar locas”.

En definitiva, esta temporada de Cobra Kai me ha resultado ligera, como las anteriores, y se puede ver en una tarde; con momentos nostálgicos, y un desarrollo mayor de personajes que aún no habíamos tenido tiempo de conocer en profundidad. Ahora nos tocará esperar a la cuarta temporada para poder ver cómo acaba este nuevo arco argumental.

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La historia, tal como también se puede ver en el trailer, comienza contándonos la historia de Arisu, un estereotipo de joven japonés volcado en los videojuegos, y sus amigos un día cualquiera en Tokio. Sus diferentes personalidades quedan claras la través de diferentes escenas, un tanto lentas quizás, y cuya aventura comienza con un corte brusco en el que la ciudad queda desierta. Desorientados, acceden a la primera de las pruebas, donde comienzan a conocer el mecanismo de la nueva realidad que viven. Una gymkana cuyo objetivo es la supervivencia con reglas que varían en cada nivel, y con instrucciones recibidas a través de un teléfono móvil.

Alice in Borderland, un juego macabro

Aunque la historia de Alice in borderland está basada en el manga, no sigue las pruebas tal cual, de hecho, esta primera temporada se queda en la mitad, alternando y cambiando los personajes para que podamos seguir un orden cronológico desde que Arisu entra en el juego hasta el final de esta temporada. Aunque, por regla general cada personaje está antecedido por su historia antes del juego, encontramos algunos cuya historia dejan para el final, dando mayor dramatismo a los capítulos finales.

Recuerda bastante al sistema de Battle Royale y de Gantz, aunque con algo más de drama y pseudoromance, pero sobre todo con un trasfondo de amistad que da qué pensar sobre las relaciones sociales actuales, recordando un poco a la doble moral que encontramos en la serie brasileña 3%.

Alice in borderland es una serie adictiva, de ocho capítulos de entre 40 y 50 minutos que cuesta pausar para ir a hacer otras cosas, como dormir.

Si después de ver la serie te quedas con ganas de más, te recomiendo el manga, porque además, tendrás el plus de comprender cosas que no llegan a aparecer en la serie y que le dan más coherencia a los personajes y a las tramas, explicándolas con más claridad.

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Hace no mucho, viendo The Last Kingdom, mi pareja me preguntó qué le veía a esa serie, y mi resumen fue “Uhtred es el Cid de Inglaterra, el vasallo que no se merecía su rey” (bueno, igual esas no fueron mis palabras literales, e incluí alguna referencia sobre su trasero), y al enterarme de este nuevo estreno, no pude resistirme a darle una oportunidad a esta producción española. Además, me sorprendió bastante ver en el reparto a Nicolás Illoro, a quien recientemente había visto como hijo repelente en La Valla.

El Cid, el mito humanizado

Teniendo en cuenta que llevamos toda la vida oyendo que el Cid fue un personaje épico y casi mitológico que “después de muerto una guerra ganó con una flecha clavada en el corazón”, como cantaba Tierra Santa en su disco Legendario (1999), resulta interesante que te cuenten la historia de un ser humano, con sus virtudes y sus defectos; sin olvidar, además, que se trata de una historia novelada basada en un personaje del que sabemos más por la obra literaria el Cantar del Mío Cid, fechada en el 1200 e idealizada durante décadas en el imaginario popular; que por lo que hayamos podido estudiar en clase de Historia, y donde además nos han creado una idea sesgada y borrosa de una Edad Media pobre, sucia y dividida.

Resulta interesante la presentación del mundo en el que se desarrolla la trama, así como la humanización de los personajes, con un juego de corte al que ya estamos acostumbrados en la cinematografía del entretenimiento, con un fuerte trasfondo, donde nos muestran sus intereses, y dejan entrever las motivaciones y a dónde les pueden llevar. Esta contextualización hace que esta primera temporada de cinco capítulos, de aproximadamente una hora cada uno, tenga momentos que resulten muy lentos, y otros que pasen en apenas un suspiro.

Tras ver a Jaime Lorente en La casa de papel, cuesta un poco dejar atrás a Denver para centrarnos en el Sidi, pero poco a poco te vas haciendo al nuevo personaje, bastante carismático, por cierto.

En femenino

La presencia femenina también es interesante, y aunque habrá quien etiquete de forzados personajes como el de Urraca o el Sancha, empequeñecidos a lo largo de la historia a pesar de haber sido muy importantes en su época. No hay que olvidar que en el siglo XI las crónicas no eran como hoy en día, y que las mujeres, aunque no pudiesen ser reinas por no ir a la guerra, eran quienes administraban los reinos en ausencia de sus maridos, además de ser sus principales consejeras; y no los muebles de la casa que llevan vendiéndonos en los últimos siglos, y que gracias numerosas investigaciones, se ha comprobado que se han encontrado presentes en muchos de los acontecimientos históricos de los que sólo teníamos nombres de varones, dándoles visibilidad.

En general, sin querer entrar en spoilers, son cinco horas que te mantienen con la atención centrada en las diferentes tramas abiertas (te gusten más o menos cada una), con un desarrollo coherente y un cierre de capítulo que deja claro que aún queda bastante por contar de un periodo tan corto y desconocido como es el siglo XI.

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